Librería de Editorial Praxis - Últimos libros del género: Ensayos literarios

Hermenéutica y recepción de la obra de arte literaria

Mon, 03 Oct 2011 22:30:17 +0100

La intersección texto-lector, o para decirlo en términos de Hans Robert Jauss, la fusión de horizontes que se presenta entre el texto y el lector a partir de una lectura con intenciones estéticas, acontece como una revelación en que ambas instancias han podido decirse algo. El texto habla cuando el lector distingue sus señales, sus indicios, su estructura preorientadora, y atiende su llamado. El texto apela a un otro, pero en actitud comprometida, consciente de que en toda lectura se reconstruyen constantemente los horizontes desde donde se parte y hasta donde se llega.

En este encuentro de voces, de miradas teóricas, se compilan seis trabajos que reflexionan, en general, sobre la naturaleza de la obra de arte literaria, sus modos de aprehensión, recepción e interpretación, así como de la experiencia estética del lector. En todos ellos se percibe la confirmación de una tesis que la teoría de la recepción y la neohermenéutica han defendido: la obra de arte literaria es más que el texto y emerge en razón (y gracias a) quien la recibe.

Hermenéutica y recepción de la obra literaria

Juan Antonio Rosado

A partir de las propuestas de Roman Ingarden y Wolfgang Iser, Gloria Vergara y Ada Aurora Sánchez, coordinadoras del libro Hermenéutica y recepción de la obra literaria, sostienen que los valores semántico y formal de la literatura son perceptibles si hay un lector que los movilice a través de la lectura: «Hasta cierto punto, el autor propone y el lector dispone». Agregaría que, si bien lo anterior es cierto, existen muchas formas de leer, incluso formas pésimas de leer (el llamado «delirio interpretativo», sobreinterpretación o mala interpretación de un texto). Lo ideal es la lectura directa del texto, pero con las herramientas y capacidades adecuadas. Asimismo, hay lecturas indirectas, desde aquellas de los llamados paratextos (índices, títulos, epígrafes, cuartas de forros...) hasta la crítica, entrevistas al autor, reseñas, opiniones de otros sobre el libro o simplemente conocerlo mediante ojeadas para darnos una idea global del material. Es imposible leer todo lo que se ha escrito, pero —como afirma Humberto Eco en una conversación con Carriere—, es posible por lo menos conocer los libros, aunque sea de modo superficial.

El lector, como intérprete o hermeneuta, no puede prescindir de las condiciones históricas, estéticas y políticas. En su texto «Los horizontes de la lectura», Roberto Domínguez nos recuerda que «nada, y menos la literatura, existe en el vacío». En 1967, Hans Robert Jauss reflexionó sobre el papel activo del lector: el lector como cocreador del texto literario. Desde entonces, el lector ha abandonado su papel pasivo tradicional de espectador de una obra consumada, creada por un autor-demiurgo. En realidad, un texto artístico es algo dinámico mientras haya lectura, ya que puede provocar diversas interpretaciones a lo largo de siglos; no se trata de una obra perfecta, cerrada en sí misma, sino que se transforma y cobra nuevos sentidos. Por ello, Jauss propone escribir una historia de la literatura desde su recepción, ya que todo crítico, todo filólogo o historiador es, ante todo, un lector. El interés de Hermenéutica y recepción de la obra literaria —con artículos de Ada Sánchez, Roberto Domínguez, Alexis Ortiz, Silvia Ruiz, Emilio Gerzaín Manzo y Hammam Al Rifai— radica en su exposición y a veces aplicación de los grandes conceptos de las teorías de la recepción.

La Cultura en México, suplemento de Siempre!, núm. 3127, México, 19 may., 2013, p. 79

Precio: $170.00

El que a yerro

Thu, 29 Oct 2009 16:52:15 +0100

Patricia Conde Juaristi

De las expresiones comunes a la humanidad, el lenguaje es la más cercana y enigmática de todas.

En El que a yerro, Carlos López nos interna, como es su costumbre, por los caminos sinuosos, divertidos e insospechados de la palabra; la examina con rigor desde un ángulo cubista; descubre sus juegos y retruécanos para desnudarla; revela el humor, tantas veces involuntario, para mostrar, contundente, la esencia misma de la mexicanidad.

En este libro, los sonidos dan paso a la representación gráfica que los convierte en un cosmos filosófico y social absolutamente propio.

Juan Antonio Rosado

Durante treinta años de labor poética y editorial, Carlos López (Guatemala, 1954) —uno de esos pocos obsesionados por el lenguaje oral y escrito— ha presenciado, recorrido y coleccionado cantidades enormes de erratas, errores y vicios de lenguaje. Mediante la observación y la reflexión no exenta de ironía, ha extraído de libros, revistas, anuncios, carteles, programas de televisión, discursos y otros muchos vehículos de ¿comunicación? frases incoherentes, absurdas, ilógicas, con humorismo involuntario, que exhiben el descuido, la distracción, la ignorancia —o de plano la estupidez o mala leche— de quien las expresó y osó publicarlas. Frutos de estas reflexiones son los libros Helarte de la errata (2005) y, más recientemente, El que a yerro (2009). ¿Que estos libros tienen también sus erratas y errorcillos? Sí. Errare humanum est y ningún libro es perfecto, pero hay de erratas a erratas, y de errores a errores.

Si el autor se ha comprometido con la palabra y ha escrito obras didácticas como su ya muchas veces reimpresa Redacción en movimiento; si ha experimentado con la lengua en volúmenes de palíndromos y otros géneros, en su última obra pone en la picota los grandes errores, confusiones, ambigüedades a lo largo de la historia, desde la primera errata registrada en Occidente, pero particularmente en el ámbito mexicano.

En «I kan’t Descartes» y otros capítulos, López aglutina —siguiendo una estructura tanto enumerativa como lúdica y sumamente ágil— una serie de anécdotas como la de una periodista de La Jornada que resucitó a Miguel Ángel Asturias (1899-1974) en 1982 y lo hizo declarar su desacuerdo con que García Márquez haya ganado el Nobel. «¿Cuál es el coraje contra el Nobel guatemalteco que le imputan declaraciones ocho años después de muerto? —se pregunta López— ¿Asturias fue el único que manifestó envidia por García Márquez? ¿Así que la reportera entrevistó a 6 mil millones de almas en todo el planeta y la única que le dijo que estaba verde de la envidia era la del autor de El papa verde? ¿De qué novela pudo sentir envidia Asturias después de escribir El señor presidente? Además, no se iba a levantar de su tumba sólo para eso. Primero hubiera hecho algo más interesante. Ir a un bar, por ejemplo».

En un tono similar, la misma estrategia delatora, crítica, irónica —con la ayuda de excelentes fotógrafos— despliega una multitud de ejemplos no sólo tomados de la prensa y de anuncios (espectaculares o no), sino también de una buena cantidad de libros, entre ellos el Quijote. Hay información valiosa sobre la historia de las erratas en Occidente y los muchos medios que se utilizaron para vencer a ese molesto duende que recorre las imprentas: desde los medios persuasivos y violentos, hasta pedir disculpas y perdones anticipados en prólogos o proemios.

Anécdotas de escritores como Borges, Nabokov, Donoso, Monterroso y Bioy Casares, o de políticos y politiqueros, periodistas, editores, instituciones como Conaculta y otros bichos, desfilan con humorismo, exhibiendo errores y erratas, pero también, a veces, sus posturas sobre el asunto. Ameno, divertido, fluido, con fotos tomadas de la misma realidad cotidiana, este libro es esencial —a pesar de sus erratas— para todo interesado en cuestiones de lengua.

La Cultura en México, de Siempre, núm. 2958,

México, 21 feb., 2010, p. 82

Ignacio de Jesús Sánchez Montes

Hoy en la madrugada (jueves 15 de marzo, 2012), tratando de contener la risa al leer El que a yerro, desperté a mi familia, ya que me fue imposible «luchar contra ese incendio hilarante».

Precio: $300.00

La obra de arte literaria

Fri, 17 Jun 2011 01:58:53 +0100

La obra de arte literaria goza de una cooperación especial con el lector, es prismática. Y lo es gracias a su excedente de sentido. El símbolo como portador de este excedente marca el guiño al lector para que entre en el registro oculto en el que manifiesta su intencionalidad. Entonces se vuelve imperioso hablar de la naturaleza estratificada del texto literario, de las cualidades metafísicas que sumen al lector en un estado de contemplación.

Aquí, la literatura es abordada desde múltiples perspectivas. El lenguaje cambia, inaugura rumbos, deconstruye, el tiempo narrativo se concretiza en la experiencia subjetiva del lector y regresa al devenir de la temporalidad. La obra de arte literaria marca el entretiempo y, más allá de todo valor artístico, es reconsiderada como objeto cultural.

La obra de arte literaria: aproximaciones teóricas

Juan Antonio Rosado

Han sido muchas las teorías sobre la obra de arte literaria. La discusión sigue vigente en la medida en que no se ha llegado a una verdadera síntesis. Para ello, es pertinente ensanchar los cánones en torno a las estructuras verbales, aunque sin caer en la apertura radical: no todo es literatura en su sentido artístico. A estos temas, a esta discusión se dedica el libro La obra de arte literaria, en cuyo texto introductorio Gloria Vergara e Hilda Rocío Leal Viera abordan la naturaleza estratificada del texto literario, cuyas cualidades metafísicas «ponen al lector en un estado de contemplación». Éste es el hilo conductor del libro, donde se despliegan algunas aproximaciones teóricas al fenómeno literario.

Ada Aurora Sánchez piensa que la literatura es como un prisma, un punto de confluencia entre dos subjetividades (el autor y el lector), pero esto ocurre con muchos otros textos escritos. ¿Qué es entonces lo que hace literario al texto? Ésta es la pregunta clave para abrir una serie de reflexiones que van más allá de las cuestiones formales o retóricas, y más allá de lo que Jakobson llamaba «función poética». En principio, la autora aplica los rasgos que según Jonathan Culler definen al discurso literario. Por otra parte, el problema de los géneros radica en que es imposible establecer una tipología universal que considere variantes históricas, culturales y receptivas en cada pueblo o nación. Los géneros, en consecuencia, cambian. El canon, como conjunto de obras imprescindibles, varía también según las perspectivas culturales e históricas.

Todo arte es una vivencia de alteridad. A partir de esta premisa, se contempla el texto literario también desde sus símbolos. Lilia Leticia García Peña, siguiendo a autores como Charles Peirce, distingue el icono del símbolo. Otras autoras (Leticia Mendoza Pérez y Silvia Ruiz Otero) recurren a Roman Ingarden, para quien la obra literaria es un objeto intencional, un acto consciente y creativo, con una materia fónica y conceptos o esencias trasmisoras de significados. Por su parte, Enrique Eguiarte Bendímez retoma a Paul Ricoeur para analizar las aporías de la experiencia del tiempo en una narración de Agustín de Hipona. Por último, Claudia Zepeda y Pastora Amezcua Rivera tratan la obra literaria como objeto cultural, ya que «hablar de la obra de arte literaria como un objeto único y cerrado es una postura obsoleta en el estudio de la literatura». Concluyen su artículo con una reflexión sobre el blog.

En general, en el libro se retoman, entre otros muchos, a conocidos teóricos, como Aristóteles, Roman Ingarden, Gérard Genette, Hans Jauss, Paul Ricoeur, Iuri Lotman, René Wellek, Tzvetan Todorov, Michel Foucault o Mijail Bajtín. Por ello, más que reveladora, su lectura resulta muy ilustrativa.

La Cultura en México, Siempre!, núm. 3117, México, 10 de marzo, 2013, p. 87

Precio: $100.00

Pasión por el libro

Tue, 15 Nov 2011 00:23:18 +0100

JL Perdomo Orellana

Como pretexto para el viaje subsidiado o el próximo premio obtenido un año antes de su convocatoria; como estímulo para romper una marca —pese a quedar con la memoria extraviada, un nepalí de veintipocos años hizo ayer su ingreso triunfal en el Libro Guinness de los Récords tras de leer sin parar durante 114 horas— o para avivar los furores del fuego religiosamente canalla, al libro, ese eterno condenado a muerte, le ha ido como en feria y allá están los supermercados de Madrid y Frankfurt para reconfirmarlo.

En las huellas digitales de Carlos López la palabra/ la letra/ la «casa del pensamiento universal», los libros, en suma, no duermen, ni esperan, ni sirven de pretexto a los artificios de la rémora global.

En la amantísima y erudita mirada de López los libros siguen siendo el arma que Jorge Luis Borges vislumbró en 1604 y los horizontes y escaleras que, según Federico García Lorca, Fedor Dostoievsky exigió en vez de fuego y agua.

Pasión por el librono es un libro más acerca de libros. Es una obra maestra cuyos conjuros y entusiasmos agregan esferas perfectas a los sagrados templos de la literatura, sobre todo ahora que los países «no lectores» y los declaradamente enemigos del libro infestan los saldos del planeta. Es un elixir infalible para atisbar el fin del mundo, salir a la calle y escuchar con mayor atención a Salvatore Quasimodo: «Cada uno está solo sobre el corazón de la tierra traspasado por un rayo de sol: y enseguida anochece».

Precio: $80.00

Notas sobre literatura mexicana queer

Thu, 20 Sep 2012 23:55:14 +0100

Precio: $140.00

Sujeto y ciudad en Vallejo, Paz, Piglia, Sabines

Fri, 21 Aug 2009 19:49:01 +0100

Gabriel Rovira Vázquez (ciudad de México, 1962) es licenciado en letras por la UNAM, maestro en educación por la Universidad del Noroeste y candidato a doctor en letras por la Universidad Autónoma de Madrid. Es profesor investigador en la UABCS desde 1991. Ha publicado los libros de narrativa Los frutos compartidos (UNAM, 1980), Los pequeños objetos amados y otros cuentos de la vida real (Diana, 1983), y de poesía Boca de tres ríos (UABCS, 1993), La crónica del sueño (UABCS, 1997) y Discurso del asombro (Instituto Sudcaliforniano de Cultura-UABCS-Editorial Praxis, 2003). Es coautor de Caligrafía de sal. Ensayos sobre literatura sudcaliforniana (Instituto Sudcaliforniano de Cultura-Editorial Praxis, 2007).

Dante Salgado (La Paz, BCS, 1966) es profesor de literatura mexicana en la UABCS desde 1993, doctor en letras por la UNAM y miembro del Sistema Nacional de Investigadores. Es autor de seis libros de poemas y de los estudios críticos Camino de ecos. Introducción a las ideas políticas de Octavio Paz (Editorial Praxis, 2002), Espiral de luz. Tiempo y amor en Piedra de sol de Octavio Paz (Conaculta, 2003), Ensayística de Octavio Paz, (UABCS-Praxis, 2004), Brevísima relación de la idea de amor en Occidente, (Instituto Sudcaliforniano de Cultura-Editorial Praxis, 2007) y coautor de Caligrafía de sal. Ensayos sobre literatura sudcaliforniana (Instituto Sudcaliforniano de Cultura-Editorial Praxis, 2007).

Rubén Olachea Pérez (La Paz, BCS, 1969) es licenciado en comunicación por la UABC, maestro en comunicación por la UNAM y doctor en estudios de cine y televisión por la Universidad de Warwick. Es miembro del Sistema Nacional de Investigadores y profesor investigador de la UABCS, en la carrera de comunicación, desde 1994. Es autor del libro Hombría sombría: representación mediática de la masculinidad (UABCS-Instituto Sudcaliforniano de Cultura-Editorial Praxis, 2008) y coautor de Estética de la imagen (UNAM, 2004).

Marta Piña Zentella (ciudad de México, 1966) es doctora en letras por la UNAM. Desde 1993 es profesora investigadora en la UABCS y forma parte del Sistema Nacional de Investigadores. Ha publicado Modelos geométricos en el ensayo de Octavio Paz (UNAM-Editorial Praxis, 2002) y en coautoría Caligrafía de sal. Ensayos sobre literatura sudcaliforniana (Instituto Sudcaliforniano de Cultura-Editorial Praxis, 2007). Participó con un capítulo en Estudios lingüísticos y literarios del noroeste (H. Ayuntamiento de Culiacán-UAS, 2008). Es autora de los poemarios Siguiendo el litoral (Cuarto Creciente, 1991), Corazón, mano de hombre (Editorial Praxis, 1997) y Encallar la luz (Instituto Sudcaliforniano de Cultura-UABCS Editorial Praxis, 2003).

Precio: $150.00

Revisión crítica de la obra de Juan Rulfo

Fri, 21 Aug 2009 18:36:10 +0100

Precio: $100.00

Poesía y computadora

Fri, 21 Aug 2009 18:36:09 +0100

Precio: $120.00

Perfil de Juan Rulfo

Fri, 21 Aug 2009 18:36:08 +0100

Perfil de un hombre triste

Pedro Zamora

Desde la infancia, una parte de ella vivida en la zona rural de Jalisco, escuché la palabra recordar como sinónimo de despertar. Años después la leí en Pedro Páramo, y ahora atrae mi atención el hecho de que, en su libro Perfil de Juan Rulfo, Sergio López Mena pone este término como ejemplo cuando se refiere a expresiones de los personajes rulfianos.
        Recordar es como despertar; despertar es como recordar. Esta relación entre ambas voces, cuya unión de significados —aunque proviene del castellano antiguo— parece concebida dentro de un contexto poético, todavía la percibo y la disfruto cuando platico con mi abuela materna, quien la ha llevado en el habla toda su vida.
       En este sentido, y por todos los elementos que ofrece, la lectura de Perfil de Juan Rulfo me generó una emoción especial frente al mundo existente en la obra de este escritor.
       En su libro, Sergio López Mena descree de los críticos que catalogaron como realismo social o realismo mágico a la narrativa de Rulfo. En todo caso, plantea, lo que hizo el autor de Pedro Páramo y El Llano en llamas fue reconstruir los mecanismos mentales de los individuos del campo jalisciense. Recreó el accionar del alma campesina, que es una realización del alma universal. Compuesto por una serie de diez ensayos presentados en forma autónoma, que abordan aspectos complementarios, Perfil de Juan Rulfo es el libro de un conocedor indiscutible de la vida y obra del escritor jalisciense.
        Además de los apartados de carácter biográfico, el volumen incluye temas relacionados con las circunstancias que rodearon a El Llano en llamas y Pedro Páramo; una comparación de esta última con la novela Al filo del agua, de Agustín Yáñez; una comparación entre el sentido pesimista de los lenguajes de Rulfo y José Alfredo Jiménez, así como la llegada al cine de algunas obras rulfianas, que en ninguno de los casos dejó satisfecho al escritor.
        En sus textos sobre Rulfo, López Mena no se queda en el dato o en la anécdota, sino que procesa la información, la interpreta, la coloca en su contexto de una manera sencilla y realiza sus propios planteamientos.
        Una de las cualidades de Perfil de Juan Rulfo es su brevedad, porque en menos de cien páginas su autor nos entrega aspectos esenciales sobre un escritor que pronto fue considerado clásico de nuestras letras.
        Se trata de un libro confeccionado mediante la ilación de datos históricos, así como testimonios y juicios literarios emitidos en su momento por el propio Rulfo, sus amigos y críticos. La conjunción de estos elementos, rescatados de fuentes diversas correspondientes al último medio siglo, es valiosa para atisbar la génesis de la obra rulfiana.
        Perfil de Juan Rulfo es un libro colmado de búsquedas y hallazgos donde se indaga y se intenta responder muchas preguntas sobre los factores que determinaron el carácter de la literatura creada por este escritor.
López Mena se muestra convencido de que «la infancia y la adolescencia de Rulfo son importantes para comprender su obra», a la que define como «marcada por el recuerdo del dolor». Y tal vez ésta es la razón por la que el investigador hurga en los acontecimientos de la vida temprana del escritor jalisciense, cuando de manera trágica perdió a su padre y a su madre. En este contexto, López se refiere a la personalidad de Rulfo como la de un hombre con una tristeza patológica, «un lobo herido de muerte desde la infancia», que «todo el tiempo lamió sus heridas», y que vivió siempre buscando al padre. Sin embargo, en otras facetas de su vida también lo ubica como un hombre activo, generoso, tierno y solidario, que tuvo una extensa labor intelectual.
        El autor de Perfil de Juan Rulfo recoge testimonios sobre aspectos que retratan al escritor como un personaje enigmático, del que durante buena parte de su vida no había claridad sobre los elementos.

Precio: $80.00

Pedagogía y filosofía, las pasiones de sor Juana... (AGOTADO)

Fri, 21 Aug 2009 18:36:08 +0100

Francisco Javier Estrada - Pedagogía y filosofía, las pasiones de sor Juana Inés de la Cruz

Precio: $200.00

Modelos geométricos en el ensayo de Octavio Paz

Fri, 21 Aug 2009 18:36:07 +0100

Precio: $220.00

Los otros grandes

Fri, 21 Aug 2009 18:36:06 +0100

Precio: $30.00

Lenguaje y símbolo en la poesía creacionista de Gerardo Diego

Fri, 21 Aug 2009 18:36:05 +0100

Lenguaje y símbolo en la poesía creacionista de Gerardo Diego se presenta como un trabajo de interpretación simbólica de la vertiente poética vanguardista o absoluta del escritor español, sólo en apariencia distinta a la por él mismo denominada poesía relativa o tradicional. Partiendo de una indagación retórica que replantea el problema del lenguaje figurado y de los límites y concomitancias entre metáfora, metonimia y símbolo, el estudio se enfoca al ejercicio hermenéutico y persigue una interpretación global de la obra gerardiana, poseedora de un universo semántico particular. En esta intención totalizadora reside parte de la originalidad del libro, pues la poesía creacionista de Gerardo Diego no se limita a las obras de una primera vanguardia histórica —Imagen (1922) y Manual de espumas (1924)— sino que se prolonga a lo largo de toda su vida, alternando con su producción poética tradicional. Se sigue así, también, el criterio del escritor al considerar sus propuestas y sus innovaciones como fruto de un creacionismo de intención; por lo tanto, vital, no sólo como productos efímeros, correspondientes a un determinado momento histórico. Pájaros, alas, vuelos, árboles, manos y otros muchos símbolos adquieren en este universo poético un significado particular; su identificación y desciframiento contribuyen a acercarnos y comprender estos textos de vanguardia; cambian nuestra forma de acercarnos al hecho poético.
La figura de Gerardo Diego (Santander, 1896-Madrid, 1987), autor de la fundamental Antología de la poesía española (1915-1931), es de especial importancia dentro de las letras hispánicas, no sólo por su labor como académico, profesor, crítico, antólogo, sino por su actividad literaria como miembro de la Generación del 27 y por la apertura de caminos que la adopción de su poética creacionista supuso para la poesía española, tanto de sus contemporáneos como de poetas posteriores.

Precio: $380.00

Jaime Sabines. Entre lo tierno y lo trágico

Fri, 21 Aug 2009 19:49:00 +0100

Jaime sabines

Óscar Wong (Tonalá, Chiapas, 26 de agosto, 1948), poeta, narrador y ensayista de ascendencia sinomexicana, fue becario del Fonapas-INBA en crítica literaria durante 1978-1979, periodo en el que escribió Hacia lo eterno mínimo. Otra lectura de Muerte sin fin (Secretaría de Cultura de Puebla, 1995), y del Centro Mexicano de Escritores en ensayo (1985-1986), donde concibió el presente volumen. Ha obtenido diversos galardones, entre los que destacan el Premio Nacional de Poesía Ramón López Velarde 1988, por su libro Enardecida luz (UNAM, 1992), primer lugar en el Certamen Literario Rosario Castellanos 1989 en cuento, con el volumen La edad de las mariposas (Talleres Gráficos de la Nación, 1990), el Premio de Poesía de Ciudad del Carmen, en el 2000, con la obra Razones de la voz (CNCA, 2002) y el Premio Nacional de Ensayo Magdalena Mondragón 2006, en Torreón. Es autor del poemario Espejo a la deriva (Editorial Praxis, 1996), de La pugna sagrada. Comunicación y poesía (Coyoacán, 1997), del estudio crítico-antológico Chiapas. Nueva fiesta de pájaros (Editorial Praxis, 1998), así como de Cantares del escriba (Instituto Mexiquense de Cultura, 1999) y de la antología crítica Chiapas. Dimensión social de la narrativa (Edamex, 1999), Rubor de la ceniza (Editorial Praxis, 2002), Fulgor de la desdicha (Instituto Mexiquense de Cultura, 2002) y de Poética de lo sagrado. El lenguaje de Adán (Coyoacán, 2006). Coordinó talleres de creación poética en el Museo Universitario del Chopo y en el Instituto Nacional de Bellas Artes. Imparte cursos y talleres de creación literaria, de manera independiente.

Francisco Álvarez Quiñones

Jaime Sabines, entre lo tierno y lo trágico, de Oscar Wong, compendia el resultado de sus investigaciones, sintetizando eruditos y sensitivos ensayos de diversos autores, su propio emocionado análisis y el acucioso estudio de las características formales en torno a la poética de don Jaime, como llamamos en Chiapas al poeta Jaime Sabines, querido por toda la nación mexicana y más allá, por decir algo que me libere de construir un hipérbaton suficiente para expresar, a quienes aún lo conocen poco, el cariño que sentimos los hispanohablantes y amantes de la poesía por nuestro lírida chiapaneco de raíz también libanesa, traducido ya a muchos idiomas del mundo. Pero antes de abordar esta alfombra de Las mil y una noches, o estera primordial del Popol Vuj, o carabela o nao de china, que espero me conduzca con bien a través de los intensos oleajes que se levantan en mi alma al hacer el comentario de este ensayo del sinochiapaneco Wong sobre un creador de fama ya universal, primero le pregunté al numen del poeta Raúl Garduño lo que a su vez él le preguntaba al de Joaquín Pasos, capitán del Canto de Guerra de las Cosas: —¿Adónde vamos, capitán? —No lo sabemos —contestaba el capitán, y así, humildemente, me respondía Raúl—: —No lo sabemos. Lo sabremos cuando hayamos llegado.        —Y cito aquí a Raúl con agradecimiento porque fue él, junto con Ámbar Past —a quien también aquí agradezco su siempre amable presencia y amistad—, quienes según la cuenta que me engaña, pues me parece que fue hace pocos años, me presentaron por tercera ocasión, pero esa vez de manera poética directa, amistosa y cordial —con todo el corazón—, al poeta Sabines, a quien ya años antes había conocido, estando yo en medio de un trágico drama amoroso de juventud, del que él me sacó con su atención y sus poemas de viva voz, salvándome literalmente la vida, devolviéndome el ánimo al hacerme sentir de nuevo asombro, fortaleza y entusiasmo ante la paradoja existencial que el poeta expresó en toda su obra, infligiendo con intención de antemano el impacto emocional y el reto que sus versos provocan a los lectores obligados a sobrevivir en estas desilusionadas épocas, como, por ejemplo, dos de sus contundentes enunciados: «Es inútil vivir, pero es más inútil morir». La actitud que surgió en mi atribulado espíritu de adolescente por esta heroica filosofía, implícita en muchos de los poemas del singular tigre antilírida, como le llamó el poeta Eduardo Lizalde, al proponerle a Jaime que sus nombres no fueran homenajeados poniéndoselos a algunos parques o monumentos, sino a las tabernas y los rincones bohemios donde se juntan después de haber sentido, después de haber tomado al diablo por los cuernos para exaltar la vida, los poetas como, según la historia de Héctor Cortés Mandujano, hacían los atenienses chiapanecos en la mesa redonda del bar el Ateneíto, donde cuenta Oscar Oliva que Jaime frente a todos aquellos bardos decía para su regocijo: «Yo no soy poeta; yo soy Dios». Y voy a lo que digo: que esa actitud de amor a la vida, haciendo de tripas corazón y asumiendo, con alegría de torero frente al minotauro, la diaria confrontación con la muerte que me nació, fue por una lectura que don Jaime dio bajo sus árboles hermanos, en la Casa del Lago de Chapultepec, diciendo unos poemas de su Diario semanario y poemas en prosa, junto a su eterna amiga Rosario Castellanos, quien daba a conocer ahí también su poema «La lamentación de Dido», lugar y ocasión en que sentí por primera vez la mirada de jaguar, la presencia y la voz de volcán en reposo de Jaime Sabines, retándome y urgiéndome a la aventura de vivir intensamente, como lo dice en Yuria, con un poema de juguetería:        «Si sobrevives, si persistes, canta, sueña, emborráchate. Es el tiempo del frío: ama, apresúrate. El viento de las horas barre las calles, los caminos. Los árboles esperan. Tú no esperes; éste es el tiempo de vivir: el único». Y obedecí con agradecimiento y entusiasmo a ese llamado. ¿De qué otra manera podría yo haber interpretado las palabras que se iban grabando en mi alma mientras las iba yo escuchando de su voz en ese instante, tan profundamente que las aprendí de memoria para el resto de mi vida?:
       «Si uno pudiera encontrar lo que hay qué decir cuando todas las palabras se han elevado del campo, como palomas asustadas… Si uno pudiese decir algo con sólo lo que encuentra: una piedra, un cigarro, una varita seca; hasta un zapato. Y si este decir algo fuese una confirmación de lo que sucede: por ejemplo: agarro una piedra, estoy dando un durazno; si con decir madera, o tocar la pata de la cama, supieras que me muero. La vida es lo único que puede decirlo todo simultáneamente; he aquí el rayo caminando por el techo, la lluvia asomándose por la ventana; los carros, el televisor, la gente, y todo lo que hace ruido, y este café caliente resbalando de mi boca abajo, mientras me da tos y la deseo, y cierro los ojos a propósito. Lo más profundo y completo que puede expresar un hombre no lo hace con palabras, sino con un hecho: el suicidio…».
       Esta tremenda afirmación sacudió mi cuerpo y mi espíritu, de tal manera que no pudiendo rechazar esa cruel verdad, e identificándome totalmente con el poeta, sintiendo en anagnórisis, puse de pie a mi cuerpo e interrumpí a don Jaime como si el poema fuera mío, casi gritando: «¡El amor o el suicidio!», a lo que él, con tierna comprensión, tal vez sabiendo la conmoción que me había causado, y que con ello me reconfortaría, me miró con benevolencia y continuó, agregando la exaltada y vivífica palabra: «el amor o el suicidio», concedió, pero no cambió para nada la singular frase siguiente: «Es la única manera de alcanzar a la vida en este decirlo todo simultáneamente; mientras tanto, hay que conformarse con decir: en aquella esquina pasa esto o aquello, bajo aquel alero hay una golondrina muerta. Ni siquiera es cierto que sean las seis de la tarde».
       Porque don Jaime literalmente nos animaba con sus consejos, al decirnos, por ejemplo, «No digamos la palabra del canto: cantemos». Oscar Wong advierte desde las primeras líneas que este ensayo es, más que un homenaje, un reconocimiento a la enérgica vitalidad creadora y hondura emocional de la obra poética de Jaime Sabines, pero yo entiendo al leerlo que también es, como lo dice en el poema dedicado a don Jaime y a mi amigo-hermano, su hijo Julio, y a la manera asiática, tolteca y maya, una florida transmutación nagualística, una muy compleja, pero natural y espontánea expresión de agradecimiento, como en este momento lo es la mía, por la manera tan sencilla y humana en que, como a mí, la poesía de Jaime Sabines conminó y sigue conminando al crítico literario, profesor y ensayista Oscar Wong a convertirse en el poeta Wong peatón, en libre y asombrado ser humano, capaz de mirar, actuar y vivir poética, pero humilde e intensamente la cotidianidad, y en esa condición nos enseñó a sus lectores a estar siempre enmilagrados y agradecidos por los continuos cambios y asombros de cada día, vengan los toros del tamaño y con las mañas que vengan:
       «Uno es algo que vive,/ algo que busca pero encuentra/ algo como hombre o como Dios o como yerba/ que en el duro saber lo de este mundo/ halla el milagro en actitud primera./ Fácil el tiempo ya, fácil la muerte, fácil y rigurosa y verdadera/ toda intención de amor que nos habita/ y toda soledad que nos perpetra./ Aquí está todo, aquí. Y el corazón aprende/ —alegría y dolor— toda presencia;/ el corazón constante, equilibrado y bueno,/ se vacía y se llena./…Uno es ese destino que penetra/ la piel de Dios a veces,/ y se confunde en todo y se dispersa».
       Así le enseñó al mismo Jaime Sabines el patriarca hindú Rabindranath Tagore, quien fue (y en la espiritualidad Sadannah sigue siendo) de sus poetas favoritos, por su capacidad de divino asombro, y de hallar canto nuevo, poesía hasta en lo más recóndito y sencillo, y de expresarla con los tonos de voz más conmovedores y las palabras más comprensibles para todos, para darnos alimento. «Todo poeta es un padre», dice Denise Levertov, tal vez pensando en el significado patriarcal más profundo de la palabra poiesis: «acto primordial de crear», que se repite como cruz eterna en todo lo creado; la vida y los amores de Sabines lo confirman, ya que ciertamente él es una figura paternal, heroica o cariñosa hasta lo chusco a veces: «Te regalo la luna para que la tires»; austera y exigente en otras: «¡A la chingada la muerte!», que profería con fiero modo, con tierna furia cargada de amor, humanamente inmerso en la contradicción, iracundo hasta la blasfemia cuando sentía la exigencia de indignarse, pero siempre intuyendo, siempre asumiendo la responsabilidad que como poeta le daba esa omnipresencia paternal y amante del pueblo, sabia y generosa para todas y todos los lectores de poesía, incluyendo a los más exigentes de nuestra época, como a Carlos Monsiváis, y a la pléyade hipersensitiva, erudita y agudamente perceptiva, creativa e inteligente que estudia y cita Wong en este ensayo, para provecho de las y los lectores que aman o están inmersos en la obra de Sabines, pero sobre todo para provecho de las crecientes generaciones de lectoras y lectores poetas juveniles, anhelantes de creaciones sabias, generosas e inspiradoras, con las que realmente puedan identificarse, como estoy seguro sucederá con los poemas y citas de este ensayo, que cumple con la exigencia magistral de Moisés Morales, el sabio mayista de Palenque, quien pregunta: «¿De qué sirve que sepas, si no lo enseñas?».
       ¿Y cómo si no enseñando nacieron los poemas de los que habla Wong aquí en este libro, para los que no existe división de género ni brecha generacional? «El poeta está dando a luz», continúa Levertov reflexionando sobre el poeta arquetípico, lo que se puede decir precisamente de Jaime Sabines, de cierta manera analogándolo con Zeus, quien por exceso de amor se vio obligado a tragarse a una de sus amantes, la bellísima inteligencia, por lo que engendró en su divino cerebro a Palas Atenea, diosa de la sabiduría, pariéndola después de un cruel hachazo a su propia testa, que le abrió en dos el cráneo, atormentado por dolores de parto. Y eso que acabó de nacer fue la poesía de Dios, de Deus, nacida del dolor, como lo fueron los poemas tonantes y vivíficos que hecho un pequeño dios, como exigía Huidobro, el creacionista, nos legó Sabines, quien con su vida y obra respondió a esa mágica urgencia: «¿Para qué cantáis la rosa, oh, poetas? ¡Haced la rosa en el poema!».
       De esta manera, nuestra percepción mexicana —siempre numinosa, mitológica y simbólica— identifica intuitivamente a Sabines con el concepto Pop, Tzakol-Bitol, Totil-Me’il, Padre-Madre, Omeyocan, la entidad dual creadora de los mayas y ancestros originarios, dándole valores creativos idénticos a los de Zeus y el Dueño de la Tierra Florida, el numen o chaneque mayor, dueño de la luz y del relámpago que desata la lluvia. Y de sus poemas como rayos de sol nacimos o renacemos como juventud nosotros, las mujeres y hombres de maíz, florecientes, frescos, fuertes, autónomos, diversos y prestos para ser magníficos actores y autores, capaces también de reconocer, admirar y amar con toda su humanidad a nuestros grandes creadores, de la forma apoteótica mostrada por la juventud que abarrotó la Sala de Bellas Artes donde en 1996 se celebraron, con sus poemas y su voz, los setenta años de vida del entonces ya inmortal Sabines: mil personas de pie, seiscientas privilegiadas con asiento, miles viéndolo en pantalla en la explanada aledaña a la Alameda y toda la nación agradecida porque alguien sencillo, con apellido de nuestros árboles venerados, pudo por fin decirle a Dios y al mundo, en nuestro propio idioma común, lo que en verdad sentimos y pensamos.
       Esa veneración y amor filial por la obra escrita y por la vida que infunde Sabines es lo que nos reúne ahora con Oscar Wong y los creadores y pensadores que convoca este libro, alrededor de las ternuras y tragedias del humanísimo poeta de Chiapas. Lo que caracteriza a este ensayo entre los muchos que se han escrito para plantear las innumerables interpretaciones y revelaciones que van surgiendo de la lectura y relectura cruda y mística de las cuatro corrientes que forman el mar Sabines, es que Wong ha dedicado su vida no sólo a estudiar y escribir críticas y ensayos sobre las más relevantes creaciones literarias de nuestro idioma, sino también a escribir poesía, buscando como los alquimistas la piedra filosofal, el toque mágico esencial, el que hace posible que la palabra escrita nos conmueva, nos vuelva multitudes y nos anime a transformar y mejorar nuestra actitud, haciendo amable al mundo. En una de las partes formales de este ensayo, por ejemplo, revela a sus lectores lo que don Jaime nos confiaba a unos cuantos: que sus poemas no necesitaban musicalizarse, porque ya eran de música. Oscar Wong lo confirma al estudiar el ritmo y la acentuación en la obra de Sabines, concluyendo que el poeta pudo llegar al verso libre, con el que se identifican las multitudes, incluyendo a Javier Molina cuando dice: «La Libertad, hermosa palabra: practicarla, de eso se trata», porque conocía a fondo la versificación en nuestra lengua, y porque tenía un oído prodigioso, señalando que Sabines deliberadamente sacrifica la forma en aras de su propuesta poética. Estudiar la estructura utilizada y la armónica ejecución del sonido como elementos fundamentales en el efecto estético y la total pericia del poeta para manipular sus herramientas, es lo que en esencia motivó a Oscar Wong, hace ya más de veinte años, a ir reuniendo para este ensayo las profundas cavilaciones y rigurosos análisis sobre la poética y estilística de nuestro poeta, aun a sabiendas de lo que decía Gorostiza cuando veladamente hablaba de la poética y las técnicas que usó para escribir «Muerte sin fin»: él dijo que «todas esas cosas el poeta no tiene por qué saberlas cuando crea su obra, y si las sabe, no tiene para qué recordarlas». Pero vaya que son necesarias, como lo saben los jóvenes que quieren iniciarse en el quehacer poético, y los aventureros que por décadas andamos vehementemente en esa búsqueda, como quien espera un milagro, porque también Gorostiza nos ha enseñado, como a Sabines, que «en la poesía, como en el milagro, lo que importa es la intensidad». Y esta es la oportunidad, la serie de lúcidos hallazgos y ahorro de tiempo que ofrece Oscar Wong a los lectores de este libro, que al mismo tiempo es un traspaso de sabiduría creativa y un artificio revelador: inspirado por la bipolar alegría de Jaime Sabines, y en agradecimiento al demiurgo que lo hizo llorar la hermosa vida, hizo Wong de palabras un caleidoscopio de variadas facetas, con ventanillas capaces de hacer que nosotros mismos revelemos los secretos de las diversas dimensiones que abarca la aparentemente fácil magia que hace inmortal a Sabines, para aprender y enseñar el uso de todas las herramientas, todos los herrajes, jaeces, bridas, riendas o timones, y todas las mañas posibles para lograr conducir bien el acto milagroso de reunir de nuevo nuestras almas, de comunicarnos con el alma sagrada de la vida y la naturaleza, por esta verdadera religión que es la poesía.

JAIME SABINES, POETA DE LA SINCERIDAD

Carlos López

Jaime Sabines es uno de los poetas mexicanos más importantes de todos los tiempos, con el que los lectores se identifican también con cualquier lectura, en cualquier época. Sus poemas sentidos, sensuales, vitales, sencillos (no fáciles) son el producto de muchos años de batallar con el lenguaje, que es la vida para los poetas.
       Alejado de cualquier moda o vanguardia, Sabines adquiere una voz auténtica que responde a su experiencia con la vida, por eso sus temas son cotidianos (la familia, el amor, la muerte, la soledad) y los recursos estilísticos carentes de artificios retóricos. También, lejos de cualquier tentación barroca, surrealista, existencial. Su poesía es de la tierra, pero también retrata lo que acontece debajo de ella o más allá. Respecto a los dos últimos temas mencionados, el poeta veía su oficio como una actividad salvífica.
       En una de sus últimas entrevistas, concedida a Ana Cruz, afirmó: «El hecho de escribir es ya el hecho de romper la soledad; ese instante en que usted escribe es un instante de comunión con las personas y con la vida.        Hasta con los muebles y las cosas. Escribir es el verdadero sentido de la vida. En lo personal, para los poetas es una especie de catarsis. Recuerdo que cuando la muerte de mi padre, escribí todos esos poemas, noche tras noche a medida que iba transcurriendo la enfermedad y, más tarde, cuando su muerte, el entierro, el luto. Después de escribir en 1961 Algo sobre la muerte del mayor Sabines, guardé silencio durante tres años, porque ya estaba harto de hablar de la muerte, pero no podía quitármela de la cabeza. Al fin, el tema de la muerte me vence de nuevo y me doy cuenta de que no podía salir de aquello mientras no lo enfrentara decididamente. Así, resolví escribir la segunda parte del poema de El Mayor Sabines en 1964, más o menos.        Escribir me ayudó a salir de mi soledad. Muchas veces, cuando uno se está muriendo o se muere un ser querido, escribir es todo lo que importa». No existe otro antecedente en poesía sobre un aspecto siempre presente en la obra sabiniana: la familia. Sobre este tema, Raúl Renán preparó una antología, que todavía no se publica, a partir de una conferencia que impartió en Guadalajara. En ella, el poeta hace una recopilación de todos los poemas donde Sabines habla de su familia. El trabajo podría ser motivo de un ensayo o una tesis.
Sabines tocaba los temas más importantes para los seres humanos con naturalidad, sabiduría, amor, pasión por lograr la totalidad de la vida en el poema. La música, las imágenes y metáforas tocan el corazón de los lectores, que son legiones (para ilustrar esto, ahí están las dos últimas lecturas públicas que realizó Sabines ante millares de personas en la Sala Nezahualcóyotl de Ciudad Universitaria-unam y en el teatro del Palacio de Bellas Artes, escenarios que resultaron insuficientes para albergar a sus fervorosos admiradores que aguantaron lluvia, frío y estar de pie afuera de los recintos viendo y oyedo en pantallas gigantes al poeta. ¿Alguien recuerda algo parecido en la vida literaria de este país? Sabines hubiera sido capaz de llenar el estadio de cu o el Zócalo. Qué mejor homenaje para un poeta; qué esperanza para la poesía).
       Sabines se convirtió no sólo en el poeta de las multitudes de México sino en un referente canónico (una palabra que tal vez lo incomodaría, pues huía de las santificaciones) de los escritores nacidos a mediados del siglo pasado. Por derecho propio, obtenido con su entrega a la poesía, con honestidad, su nombre está al lado de poetas simientes del continente (Neruda, Vallejo, Juarroz, Nicanor Parra, Huidobro) y sus poemas dentro de los mejores de la lengua castellana. Sobre árboles robustos, frondosos, floridos de las culturas árabe y maya, el poeta fue un pájaro de fuego, que irradió luz por el continente americano y, cuanto más se lee, por el mundo. Porque sus lectores se multiplican con el tiempo.
       En la entrevista antes mencionada, Jaime Sabines, al referirse a la necesidad de la composición poética, expresó: «La poesía es un ejercicio necesario, absolutamente necesario; inevitable, diría yo. En alguna ocasión dije que era como un destino. Más que una vocación, la poesía es un destino. En ella se encuentra un cincuenta o sesenta por ciento de oficio, de rigor, de disciplina. Lo demás es lo que antiguamente se llamaba inspiración, aunque actualmente ya no es una palabra muy aceptada. Hay quienes prefieren hablar del subconsciente o cualquier otro término de la psicología moderna. Pero se refiere a lo mismo, es la facilidad con la que al poeta se le dan los poemas, como algo natural. Yo no diría que los poetas tienen más momentos de inspiración, pero sí que tienen más sensibilidad para percibir las cosas que los rodean. Un poeta es una gente “descarnada”, es decir, una persona que va por el mundo sin piel, con la carne viva. Por lo tanto, las cosas que suceden le afectan más que a otros. No tiene nada que lo cubra, que lo proteja, y entonces, como respuesta a la vida, se le da la poesía». Esta declaración contiene su poética y proporciona claves latentes en sus poemas desnudos de oropel.
       La emoción, fundamental en su trabajo, oscilaba entre la carne del diablo y la sabiduría del cohélet. Por momentos, la ternura del poeta se vuelve filosófica al dejar abiertos algunos finales de sus poemas, al preguntar cosas esenciales del ser. Sus poemas más que con el corazón, están hechos con las entrañas; son telúricos.
       Sabines es un renovador del lenguaje, un transgresor de las formas. Subversivo por naturaleza, cuestiona el mundo. Se rebela con el lenguaje: nunca las «malas palabras» fueron tan buenas como en los poemas de Sabines.        Nunca, nadie, había puesto tan bien las palabras llamadas obscenas en poemas únicos. Nunca se habían oído tan bien las groserías; lo escatológico vuelto poesía por el poder de la metáfora, esa esquiva que compone el mundo con la magia del toque preciso, justo del poeta.
       Si bien no era un poeta contestatario, sí combatía la mediocridad, la complacencia y la impostura de quienes se regodean con los artificios del lenguaje y de sus críticos. En un fragmento de Maltiempo (1972), el poeta dice:

Hay dos clases de poetas modernos: aquellos, sutiles y profundos, que adivinan la esencia de las cosas y escriben:
«Lucero, luz cero, Luz Eros, la garganta de la luz pare colores coleros», etcétera, y aquellos que se tropiezan con una piedra y dicen «pinche piedra».
Los primeros son los más afortunados. Siempre encuentran un crítico inteligente que escribe un tratado «Sobre las relaciones ocultas entre el objeto y la palabra y las posibilidades existenciales de la metáfora no formulada». De ellos es el Olimpo, que en estos días se llama simplemente el Club de la Fama.

Pero también sabía ironizar sobre su oficio y aceptaba con humildad y sabiduría su condición de mortal, aunque el «fulgor Sabines», como lo llamó Luis Cardoza y Aragón, ya era visible; en Otros poemas sueltos, 1973-1977, por ejemplo:

El peatón

Se dice, se rumora, afirman en los salones, en las fiestas, alguien o algunos enterados, que Jaime Sabines es un gran poeta. O cuando menos un buen poeta. O un poeta decente, valioso. O simplemente, pero realmente, un poeta.
Le llega la noticia a Jaime y éste se alegra: ¡qué maravilla! ¡Soy un poeta! ¡Soy un poeta importante! ¡Soy un gran poeta!
Convencido, sale a la calle, o llega a la casa, convencido. Pero en la calle nadie, y en la casa menos: nadie se da cuenta de que es un poeta. ¿Por qué los poetas no tienen una estrella en la frente, o un resplandor visible, o un rayo que les salga de las orejas?
¡Dios mío!, dice Jaime. Tengo que ser papá o marido, o trabajar en la fábrica como otro cualquiera, o andar, como cualquiera, de peatón.
¡Eso es!, dice Jaime. No soy un poeta: soy un peatón.
Y esta vez se queda echado en la cama con una alegría dulce y tranquila.

Respecto de la libertad para crear, el poeta afirmaba: «La libertad se adquiere, paradójicamente, con el mayor rigor y la mayor disciplina. Así es la creación poética. Alguna vez dije que era un ejercicio impúdico, en el que el hombre se tiene que desnudar para escribir. El poeta tiene que darse totalmente en cuerpo y alma. Entonces hay que dejar muchísimo para escribir. No es cuestión de que le dicten a usted todos los poemas. Hay que tener el oído bien despierto, alerta los ojos y toda la piel al descubierto, y escribiendo aprender a escribir, como el nadador que quiere llegar a nadar bien y tiene que meterse al agua todos los días; ése es el hecho de escribir, el ejercicio de escribir, la disciplina de escribir. Sólo a través de muchos años se van obteniendo resultados, únicamente cuando se ha hecho una buena siembra se van cosechando productos consistentes». Él, riguroso, autocrítico, destruyó más de la mitad de los poemas que dio a la imprenta. Este ejercicio lo practicó desde Horal, su primer libro.
       Para amar a Sabines bastaría leer Horal, Tarumba y Algo sobre la muerte del mayor Sabines. Respecto a este libro, cuenta Efraín Huerta: «Una media tarde, en algún anfiteatro de cu, Jaime dio un recital, y la presentación la hizo Chayito Castellanos. Cuando concluyó la lectura, un caballero le pidió al poeta que leyera algo menos amargo que lo que había leído; por ejemplo el poema del mayor Sabines. «¿Ah, sí?». Y Jaime leyó como sólo él, Algo sobre la muerte del mayor Sabines, y el caballero que había solicitado el poema se fue haciendo chiquito hasta desaparecer hecho un mar de lágrimas. Total, que cuando terminó, Chayito se adelantó a la salida, nos encontramos y solamente me dijo: "Es el mero mero". Dos horas más tarde, el mero mero y sus meros amigos celebrábamos el éxito del recital hechos un mar de rones». En Navachiste, Sinaloa, en el encuentro de poetas que se lleva a cabo todas las semanasantas desde hace 17 años, Raúl Renán empezó a leer este poema, pero no pudo avanzar mucho: lo ahogó el llanto y tuvo que pedir que otro poeta continuara con la lectura.
       Sabines escribía a partir del coraje, la nostalgia, la inconformidad; por eso toca las fibras de los lectores, que sienten la sinceridad de sus poemas. Si el poeta no sintiera lo que poetiza, sus palabras sonarían huecas, serían lugares comunes, no prenderían el fuego de quien las lee. A partir de sus convicciones y experiencias criticaba irónico, mordaz, lúdico, certero. Varios de sus poemas tienen un tono escéptico, irreverente, iconoclasta, nihilista.
En el libro de Óscar Wong, Jaime Sabines, entre lo tierno y lo trágico, homenaje de poeta a poeta, se estudia la forma como Sabines asume la tragedia personal y eleva a discurso poético su lucha (la política incluida), a partir de las siguientes líneas: lo lírico, lo divino, Eros-thanatos, categorías existenciales; además, Wong pone a dialogar la poesía con la crítica, una misión complicada, pero necesaria en el contexto que el crítico elige para analizar la obra de Sabines, mayor de la poesía, el poeta más conocido de México. El libro pienso que lo concibió Wong para poetas en formación, pues su análisis formal, a partir de los recursos y la preceptiva literaria, se enfoca en temas específicos. Por momentos, se percibe un tono didáctico, de taller de poesía.
       No obstante esto, en el fondo, el texto de Wong ayuda a disfrutar la poesía de Sabines; su intención es válida en tanto que no pretende explicarla (empresa inútil, pues la poesía no se explica, éste es uno de sus misterios). Además de ser un homenaje, el estudio contiene una poética propia. Esperemos que se aprecie su esfuerzo y que éste enriquezca la extensa bibliografía del poeta Sabines y la historia literaria de México.

Enaltecer la existencia

Maribel Báez Muñoz

El amor es el silencio más fino
―Jaime Sabines―

Entre lo tierno y lo trágico (Praxis, 2007), es un ensayo escrito por Óscar Wong hace poco más de 20 años, en el periodo en que se hizo acreedor a la beca del Centro Mexicano de Escritores, donde analiza estilísticamente la obra de Jaime Sabines y ofrece un extenso estudio del universo lírico del poeta chiapaneco, que recorre desde la expresión cotidiana de las cosas, hasta Dios, eje central de su poesía.
       El análisis de Wong se divide en cuatro partes: la primera es La dimensión lírica; data de las fuentes preliminares que el autor utilizó para realizar su estudio, así como del motivo esencial para llevar a cabo su investigación.
       Particularidades de su discurso lírico, Del amor a la muerte, Presencia de la divinidad y Categorías profundas de la existencia, son los demás capítulos contenidos en este ensayo, con el que el autor se propone destacar la magnificencia de la poesía de Sabines y analizar su obra mediante su propuesta estética.
       La justificación de Óscar Wong en el proceso analítico de la poesía de Sabines: “En él observo, con justeza, la emoción de ese yo poético trascendiendo su propia particularidad a partir de su visión singularizada del mundo. Busco a Sabines porque en gran parte de su discurso expresivo reconozco mi intención particular, mi propia propuesta estética: invocar la existencia, conjurarla, exaltarla, como símbolo de transitoriedad.”
Esta es la idea esencial del ensayo: encontrar el toque estético que Sabines ejerce en sus poesías; además de identificar los temas principales de su obra y analizarlos de manera detallada, para poder presentar al lector un estudio profundo de su obra.
       En el ensayo de Óscar Wong, Sabines se muestra como un escritor que enhebra y expresa con un matiz entre lo tierno y lo trágico, su condición humana, con una poesía que interroga la presencia del hombre en el mundo.
       Algunos de los temas que Sabines incluye en su poesía son el existencialismo, la mujer, el amor, la muerte, la relación con el universo y con Dios, temas que han sido de una gran relevancia en diversos instantes de su existencia. El hombre y la vida, o la vitalidad del individuo, vista desde su propia perspectiva limitada, es, según Óscar Wong, la preocupación más grande de Sabines, que exterioriza en su lírica.

Entre lo tierno y lo trágico refleja la evolución temática y estilística de Sabines, pero sobre todo, pretende rendirle homenaje, pues como escribe Óscar Wong: “El Sabines que reconozco y que me complace es el que consigue expresar con emoción, sensibilidad, peculiar intuición para el lenguaje, con el sentido necesario e insólito equilibrio, relaciones humanas universales. Sinceramente frágil, cotidianamente primordial, tiernamente violento y apasionado, es el Sabines que indudablemente tiene un sitio privilegiado en la literatura de México y de Hispanoamérica.”

Precio: $120.00

Instrucciones para eliminar a un profesor

Fri, 21 Aug 2009 19:49:01 +0100

Lauro Zavala es profesor-investigador titular en la Universidad Autónoma Metropolitana (Xochimilco) desde 1984. Pertenece al Sistema Nacional de Investigadores desde 1994. Actualmente es profesor invitado en la División de Estudios de Posgrado de la Facultad de Filosofia y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México. Desde 2000 es director de la revista de investigación El cuento en red, .
Sus libros más recientes son: Cómo estudiar el cuento (Guatemala, Palo de Hormigo, 2003); Minificcion mexicana (México, UNAM, 2003); Elementos del discurso cinematográfico (México, UAM-X, 2003), el cual obtuvo el Premio al Libro de Texto Universitario; Paseos por el cuento mexicano contemporáneo (México, Nueva Imagen, 2004); Cartografia del cuento y la minificcion (Sevilla, Renacimiento, 2004) ; La precisión de la incertidumbre (México, UAEM, 2006) y Manual de análisis narrativo (México, Trillas, 2007).

El lector encontrará en este volumen algunas reflexiones sobre la investigación y la docencia, instantáneas de la cotidianidad universitaria, diversas crónicas de viajes académicos realizados por el autor, y algunas instrucciones (o, más exactamente, recomendaciones) para vivir y no sólo sobrevivir en el mundo académico.
El formato de estos textos es la viñeta, pues ahí caben los demás géneros: son apuntes, notas , definiciones, proyectos, imágenes y retratos, lo cual permite incluir tipologías, bestiarios y taxonomías sobre la vida cotidiana en una universidad cualquiera.
El título alude al ensayo que cierra el volumen, donde se señala el interés que tiene para la epistemología, la semiótica y la investigación en general el estudio de las novelas policiacas donde la víctima es un investigador universitario. La naturaleza de estos materiales es paradójica, pues se adopta un tono irónico para tratar temas trascendentales, y un tono serio para describir situaciones irónicas.

Precio: $200.00

Helarte de la errata (AGOTADO)

Fri, 21 Aug 2009 18:36:03 +0100

Carlos López (Guatemala, 1954) es autor de los libros Voses de Guatemala (2005), Helarte de la errata (2005), Redacción en movimiento. Herramientas para el cultivo de la palabra (2003), Tito, biografía mínima (2003), Naves se van (2003), La roca coral (2002), Bellotas de agua (2000), Relámpago nocturno (1999), Vado ancho (1998), Fuego azul (1997) Uso de los anteojos para todo género de vistas (1996) y del Diccionario biobibliográfico de literatos guatemaltecos (1993).

Lazlo Moussong

Este libro de Carlos López, fino poeta, ingenioso, de sutil y artesanal humor, editor ejemplar que hace milagros con su Editorial Praxis, donde predominan la poesía no lucrativa, los múltiples y auténtico(a)s talentos de autore(a)s sin capilla y el buen gusto, y duro crítico de la Real Academia por ser profundo conocedor de la lengua española, nos lleva, desde el pasmo, por los corredores de la risa, hasta las pruebas de que el Diccionario de la lengua española está plagado de errores y faltas de o rtografía. Me pareció delicioso el ensayo, que por fortuna leí en casa y no en un café o en una combi, porque me reí a carcajadas y la gente hubiera pensado que yo estaría loco o drogado. Me entusiasmó.

Rogelio Guedea

2ª solapa de Helarte de la errata

Una historia universal del error nos descubriría, en toda su amplitud, el verdadero valor de la sinrazón humana. Viéndolo sin aparejos, el error ha sido siempre mejor maestro que el acierto, aunque el acierto goce de mayor reputación. «De los errores se aprende», dicen. Como en los pecados del catolicismo, los errores también se dan por obra u omisión. Los primeros, no menos reprochables que los segundos, ni tampoco menos dañinos, son a los que el poeta y editor Carlos López dedica su largo ensayo Helarte de la errata, sesudo como jocoso estudio sobre los desatinos cometidos en los rodillos de las imprentas y en las declaraciones de los desinformados o, en todo caso, mal informados, entre los que nunca faltan presidentes de república o secretarios de cultura. Con su característico «ingenio negro», bajo el cual se esconde un rigor pasmoso cuando se trata de tomar posición frente al lenguaje, Carlos López no sólo hace un minucioso recuento de las erratas más famosas acometidas a lo largo y ancho de nuestro diablo mundo, sino que, para evitar quedarse en el mero divertimento, termina sus inquisiciones advirtiéndonos: si es verdad que la errata es inmanente al hombre, ¿no seremos los hombres (y sus alrededores) una misma errata de Dios? Sea como fuere, esta pregunta tendría que responderse con otra: si es verdad que la equivocación es inherente a Dios, ¿no será Dios (y su paraíso) una equivocación más de la imaginación del hombre?

Juan Domingo Argüelles

El Universal, México, 18 dic, 2005, p. 3-F

Ni tianguis sin ratas ni libro sin errata

Tal vez únicamente para alcanzar consuelo, o bien para curarse en salud y justificar lo irremediable, entre escritores, editores e impresores se ha llegado a decir que el libro perfecto, sin mácula tipográfica y sin erratas, trae mala suerte. De ahí se puede concluir que casi todo autor es suertudo, pues la verdad es que resulta difícil encontrar libros perfectos desde el punto de vista editorial y tipográfico. Aunque sea una «cosa de nada», la mayor parte de los libros trae sus erratas o sus erratillas, y algunos dan albergue a tal cantidad de yerros y gazapos (muchos libros españoles, de sellos importantes, son ejemplo ilustre de esto) que los autores deben ver cada uno de sus libros como un gran amuleto.
        En el Refranero mexicano, que se puede consultar en red, Herón Pérez Martínez incluye el siguiente refrán que por lo menos autentifica la creencia de que libro editorialmente perfecto es una perfecta superstición: «Ni tianguis sin ratas ni libro sin erratas».
Herón Pérez Martínez explica que este refrán popular establece, en forma de sentencia, que todos los libros tienen erratas. Nos informa también que tal refrán mexicanizado es una adaptación de aquel otro que dice: «No hay cuartel sin ratas ni libro sin erratas».
        A lo largo de los siglos, la errata ha indignado y fascinado a autores, editores, impresores y lectores. Hay quienes la creen el mayor azote de los que escriben, publican o imprimen, por eso la buscan sanitariamente sobre las pruebas de imprenta, con lápiz o bolígrafo, dispuestos a marcarla para luego exterminarla, pero ella se esconde, y aparece cuando el libro ya está impreso y consumada la infección. Por ello también se habla del duende de la errata, ese engendro fantástico, que destruye la perfección, esa perfección exclusiva de Dios. La errata es cosa del diablo.
        Pero también debemos reconocer que hay erratas que mejoran bastante a algunos autores ilegibles e incorregibles. Y hay que añadir que si antes las erratas eran culpa casi exclusiva de tipógrafos y correctores, hoy son culpa casi exclusiva de los autores, pues entregan su original en archivos electrónicos no sólo con erratas sino con errores e incongruencias de todo tipo. Y como los hay muy quisquillosos (esos de «no me muevas una coma de ahí»), los que corrigen tienen todo el derecho a dejar que se maten con mano propia.
        Carlos López, escritor, editor e impresor, autor de varios libros de poesía, gramática e investigación, tiene un librito muy curioso y divertido, al tiempo que muy documentado, sobre este apasionante asunto: Helarte de la errata (México, Editorial Praxis, 2005), en cuyas páginas documenta algunos de los estropicios erratiles o erratescos que arruinan las ediciones. Y advierte: «De ser un microbio, un bicho, la errata pasó a ser una plaga, se convirtió en una pandemia cuyos límites no se alcanzan siquiera a sospechar». A ello hay que sumar los estropicios de los programas de corrección y división de palabras de la computadora.
        Para consolarse y consolarnos, Carlos López dice que «lo que tenemos que hacer es aprender a convivir con las erratas». Sin embargo, quien es víctima de ellas siente escalofríos y se le hiela la sangre. Esto es exactamente Helarte de la errata. Y no hay autor, por más tolerante que sea, por muy sereno que presuma ser, que no se deprima por una errata. Y muchos no sólo se deprimen sino que, encolerizados, no saben dónde o contra quién descargar su espesa rabia: con frecuencia, tendrían que morderse un brazo, la rodilla y, si pudieran, la espalda, porque fueron ellos mismos los que «cuidamos» su edición.

Anónimo

Revista D, 88, Guatemala, 12 mar, 2006, p. 29

Nuestra recomendación: El que a yerro mata...

Por favor, lector, sea benevolente y no apresure juicio hacia esta humilde nota. No empiece aún a escribir esa carta aclaratoria en la que seguramente nos dirá que el verdadero dicho lleva la palabra «hierro», referente al metal, empleado como metáfora alusiva a la violencia de las armas. De hecho, si usted consigue este libro, podrá solazarse o bien torturarse con las abundantes anécdotas de erratas, escritas y habladas, de ilustres personajes, que Carlos López incluye en su libro, que resulta ameno a fuerza de humor y equívocos, de errores ajenos, pero probablemente nuestros también. Algo así como el que esté libre de errores que tire la primera corrección es el mensaje que deja López, no sin invitarnos a pensar si decimos bien lo que intentamos expresar o si acaso, nos ha pasado, como simples ciudadanos, lo mismo que a gobernantes, presentadores de televisión y hasta a los académicos de la lengua.

Méndez Vides

El Periódico, Guatemala, 3 oct, 2006, p. 28

«Helarte de la errata»

Son tantos los poetas chapines que viven fuera del país, que no puedo sino aplicar para el conjunto la identificación de «ciudadanos de la vía láctea» acuñada por Luis Cardoza y Aragón. México fue por mucho tiempo el destino común para quienes se alejaban de la patria, y aún lo sigue siendo en buena medida. Allí vive Carlos López, un poeta nacido en Pajapita, San Marcos, a quien la frontera le debió parecer ficticia, un arreglo ridículo dispuesto por políticos y finqueros. ¿Cuál es la diferencia entre ser de San Marcos o de Chiapas? Poca y mucha. López se marchó al df, estudió literatura en la unam y se volvió un mago de la imprenta, creando la Editorial Praxis, que ha publicado una amplísima obra de nuestros autores para darlos a conocer en el vecino país. Ahora, tras medio siglo de vida, escribió un ensayo divertidísimo y nítido (cuidando que no se le escapara errata alguna) sobre las erratas, esa lamentable tragedia que por aquí ocurre tanto sin provocar temblor, pero que persigue a los impresores y autores como una maldición. El tema, si se ve de lejos, parece muy especializado y hasta arrogante, pero al leer el ensayo uno se encuentra ante un texto profundamente humano, distraído, que nos demuestra cómo las ideas bien expresadas pueden hacer de cualquier tema un agasajo.
Las erratas han sido a lo largo de la historia motivo de trauma, de frustración y de cólera para los autores y editores, aunque existen algunos para quienes una errata le da vida al texto, como pintan personalidad al rostro las llagas y cicatrices. Si los mareros se tatúan lágrimas debajo del ojo, hay poetas que desvirtúan su obra agradecidos o divertidos, como me ocurre a mí, coleccionista de erratas. En una oportunidad encontré en las pruebas de una novela una errata que me pareció tan ocurrente que me negué a modificarla, decía que, debido al fracaso, a la protagonista se le habían «estirado los manillares», a lo que no le encontré sentido, pero me gustó mucho, y así ha perdurado el error.
Analizar las actitudes de los famosos ante las equivocaciones en su obra impresa es todo un jolgorio, no se piense en una rareza para especialistas o tipógrafos, sino un recuento fascinante sobre lo que nos distingue y diferencia a los seres humanos. En la última sección resume algunas frases dichosas que son todo un festín, captadas de diarios y entrevistas a políticos y gente famosa, como por ejemplo: «Si no tenemos éxito, corremos el riesgo de fracasar», «El futuro será mejor mañana».

Lazlo Moussong

Excelsior, 11 may, 2004, p. 6A

Caja de Resonancia

Fe de ratas

Escribo esto motivado por un ensayo de Carlos López, fino poeta, ingenioso, de sutil y artesanal humor, y editor ejemplar que hace milagros con su Editorial Praxis, donde predominan la poesía no lucrativa, los múltiples y auténtico(a)s talento(a)s de autore(a)s sin capilla, y el buen gusto; duro crítico de la Real Academia, por ser profundo conocedor de la lengua española.
        Se trata de un ensayo cuyo título delata el contenido: Helarte de la errata que nos lleva, desde el pasmo, por los corredores de la risa, hasta las pruebas de que el Diccionario de la lengua española está plagado de errores y faltas de ortografía.
        Entre los muchos daños que causan las erratas, tenemos los casos en que, por el cambio de palabras o del orden de las palabras o de la puntuación, debido a la velocidad con que deben trabajar los capturistas, se modifica radicalmente el contenido de lo que quiso decir el autor, y se cometen muchas injusticias.
        Con esta consideración, me he propuesto cazar erratas en frases que, debiendo encomiar o simplemente describir la acción de un personaje público, cambian el sentido de tal modo, que afectan, que roen el honor de las personas aludidas; por eso ofrezco esta primera fe de ratas que preparé con el deseo de restaurar el buen nombre, así afectado, de nuestros íntegros personajes de la vida pública:
Donde dice: Esa lealtad de Rosario Robles para su amante ya la hubiéramos querido nosotros para México.
Debe decir: Ya la hubiéramos querido para nosotros esa lealtad amante de Rosario Robles para su México.
Donde dice: El señor Fox es mandilón por donde le busquen. En el norte se ve que tiene a su real jefe. Se nota cómo le manejan en su casa.
Debe decir: El señor Fox es muy mandón por donde le busquen. En el porte que tiene se ve a un real jefe. Se le nota en cómo maneja su casa.
Donde dice: Jorge Canalleda.
Debe decir: Jorge Castañeda.
Donde dice: Se marea
Debe decir: Es Marta.
Donde dice: El Niño Merde
Debe decir: El Niño Verde.
Donde dice: Rosario disfrutó las riquezas del cerdo Ahumada.
Debe decir: Rosario disfrutó las ricuras de cerdo ahumado.
Donde dice: Fox sólo actúa para crecer en estadísticas e ir en las encuestas arriba contra los adversarios.
Debe decir: Fox actúa solo, para crecer como estadista e ir cuesta arriba contra las adversidades.
Donde dice: Fe de ratas.
Debe decir: Fe de erratas.

Precio: $60.00

Erotismo y misticismo

Fri, 21 Aug 2009 18:36:01 +0100

Juan Antonio Rosado (México, 1964) es doctor en letras por la UNAM. Además del presente tomo, es autor de los libros de ensayo Cómo argumentar (Editorial Praxis, 2004), El engaño colorido (2003), Bandidos, héroes y corruptos (2001), El presidente y el caudillo (2001) y En busca de lo absoluto (2000) y del volumen de cuentos Las dulzuras del limbo (Editorial Praxis, 2003). Colaboró como investigador en el Diccionario de literatura mexicana, siglo XX (2000, 2004). Ha publicado en las antologías Los mejores cuentos mexicanos (2001) y La escritura cómplice: Juan García Ponce ante la critica (1997). Fue dos veces becario del Fonca (en cuento y ensayo). En 2000 obtuvo el premio de ensayo Juan García Ponce, del Instituto de Cultura de la Ciudad de México. Ha sido profesor de literatura y redacción en más de diez instituciones. En la actualidad, es profesor de asignatura en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, el Instituto Tecnológico Autónomo de México (ITAM) y el Centro de Cultura Casa Lamm.

Armando Pereira

Erotismo y misticismo: la literatura erótico-teológica de Juan García Ponce en un contexto universal no escatima el análisis de la generación a la que pertenece García Ponce, ni la contextualidad literaria de su obra (influjos de autores universales); constituye un ensayo original en tanto que el acercamiento a la obra del escritor se lleva a cabo desde distintos enfoques, sin perder su unidad: el problema estético de la representación, el estudio pormenorizado del erotismo, el análisis del discurso de la transgresión, la fenomenología del personaje femenino, la irrupción del elemento sagrado y del misticismo, así como una reveladora lectura —basada en la misma poética del autor— del gnosticismo y otras corrientes filosóficas y religiosas. Todos estos rubros se hallan íntimamente relacionados. Juan Antonio Rosado ha realizado uno de los trabajos más completos sobre el tema.

Las dulzuras de Eros y otras transgresiones

1. ¿Por qué el interés en el erotismo? ¿El amor no es un tema agotado?
El interés radica en que el amor y el erotismo son fenómenos culturales y, como decía Terencio en El atormentador de sí mismo: "Hombre soy, nada de lo humano me es ajeno". Por otro lado, en tu pregunta planteas dos conceptos que, en lo personal, no considero sinónimos. En principio, habría que distinguir entre el amor y el erotismo. Ambos fenómenos parten de la sexualidad humana, y digo "humana" porque la sexualidad existe en todo el reino animal y aun en toda la naturaleza. La sexualidad abarca la mente y el cuerpo y es básicamente un fenómeno biológico, químico, natural. Sin ella no habría reproducción ni instinto ni prurito de cercanía con el otro. Ahora bien, el erotismo es un fenómeno exclusivamente humano, al igual que cualquier otro fenómeno cultural. No se trata de la mera satisfacción de un instinto sexual, ni tampoco de considerar la sexualidad únicamente en sus fines reproductivos, como lo hace el cristianismo paulino en sus orígenes y todavía muchos que pretenden seguir estos preceptos fielmente. Al contrario, al erotismo -que fue condenado por esta religión- no le interesa la reproducción, sino el goce imaginativo, sensual y racional de la sexualidad. El erotismo es a la sexualidad lo que la gastronomía al instinto alimenticio. El ser humano, mediante su raciocinio y su imaginación, transforma , modifica radicalmente los elementos naturales. Un perro puede conformarse con un trozo de carne cruda y con una cópula rápida para satisfacer sus instintos y reproducirse. La gastronomía y el erotismo van más allá. Así como los seres humanos inventamos recetas y aderezamos la carne, es decir, la transformamos en un platillo, lo mismo hacemos con la sexualidad al transformarla en erotismo. En otras palabras: el erotismo es la sexualidad transfigurada mediante la razón, la imaginación, la sensibilidad, la cultura, y por ello es esencialmente estéril: su fin inmediato no es la reproducción, aunque ésta pueda darse. Es lo mismo que ocurre con el lenguaje: una cosa es el lenguaje con un mero fin comunicativo (como el de las ballenas o como el que usamos para pedir algo en la tienda) y otra cosa es la literatura, que transforma el lenguaje en arte; lo mismo ocurre con los sonidos con respecto a la música, con los trazos con respecto a la pintura o con los movimientos del cuerpo con respecto a la danza. La literatura, la música, la pintura, la danza, el erotismo son únicamente humanos porque transforman los signos naturales. Si hablamos de "danza" en el reino animal es una mera sobreinterpretación humana. La danza de cortejo de ciertas aves o la manera de copular de las especies animales no cambia ni ha cambiado nunca: se ha mantenido igual durante milenios y posee un fin que no es otro sino la satisfacción de un instinto. Por ello la homosexualidad puede darse y se ha dado de hecho en el reino animal. El erotismo entonces es un fenómeno cultural ; por lo tanto, eminentemente humano. El juego de caricias, miradas, posiciones sexuales, perfumes, así como el hecho de retardar la eyaculación para aumentar el deseo, por ejemplo, van más allá de la reproducción animal y de la mera satisfacción de un instinto. Las culturas orientales, como la hindú, la japonesa, la china y también la egipcia antigua y la árabe tuvieron sus artes eróticas , libros o manuales en los que se habla del goce sensual, y muchos de ellos aconsejan métodos anticonceptivos para no procrear y dedicarse al placer. Pasando ahora al tema del amor, hay que destacar que una relación erótica no necesariamente incluye el amor; y el amor, por su parte, no necesariamente incluye el erotismo. Se puede tener una relación erótica con una prostituta o con una amiguita o amiguito sin necesidad de amarlos, y se puede amar a un hermano, a un hijo, a una madre o a una esposa sin tener que mantener relaciones eróticas con ellos, ¿no es así? El amor es un sentimiento, una emoción de afirmación, de aceptación plena del otro . No me refiero específicamente al amor-pasión, de corte narcisista, con el que amamos la idea que nos hicimos del otro y no al otro tal como es, sino al amor entendido en su sentido más amplio. Ahora bien, cuando se ama a la pareja erótica, entonces se conjugan estos dos fenómenos de la sexualidad humana: el amor y el erotismo. Por último, para responder cabalmente tu pregunta, en la medida en que el amor es un tema cultural, humano, no sólo es inagotable, sino que es, al igual que la muerte, uno de los ocho o nueve grandes temas que se han tratado de diversas formas en la literatura y en el arte universales de todos los tiempos. De hecho, para algunas culturas, el amor ha sido considerado una locura y por eso se ha contrapuesto al matrimonio como contrato.

2. ¿Cuál es la conexión del amor y del erotismo con la mística?
Sin dudas, el éxtasis, es decir, la impersonalidad, el hecho de salir de nosotros mismos, aniquilando el egoísmo y el individualismo, para unirnos al otro, llámese como se llame. Los grandes místicos de todas las tradiciones religiosas han tratado de encontrar metáforas para describir esa sensación de éxtasis. Algunos recurren a la imagen de la embriaguez; otros, al erotismo o al sentimiento amoroso. Éxtasis no es otra cosa que salir de sí . Es una experiencia en la que dejamos de ser como individuos para sentirnos uno con el otro o con el universo entero. Teológicamente, aunque el cristianismo se haya autonombrado "la religión del amor y del perdón", es en verdad una religión anti-mística, pues para ésta Dios es personal, no impersonal; por lo tanto, como afirma el autor cristiano Denis de Rougemont, ninguna unión sustancial con ese Dios es posible, de ahí que las almas sigan siendo individuales después de que los cuerpos murieron; de ahí el concepto cristiano de los "cuerpos gloriosos". Incluso las tres personas de la Trinidad son masculinas (el espíritu es neutro en griego, pero los médicos anteriormente empleaban la palabra pneuma para designar el semen, que es masculino). En cambio, en el hinduismo, por ejemplo, tú eres Dios porque Dios no es personal, sino impersonal: es TODO, absolutamente todo el universo: lo bueno y lo malo, lo puro y lo impuro, lo masculino y lo femenino. Entonces, después de reencarnar un determinado número de veces, se alcanza una perfección tal que simplemente ya no reencarnas: te unes sustancialmente a lo Absoluto. En ese sentido, el hinduismo es una religión erótica en que el misticismo puede caber perfectamente: se pretende una unión sustancial con el otro y el yo se convierte en otro. El cristianismo, en cambio, es teológicamente anti-erótico porque el alma sigue siendo individual después de la muerte y además puede ser condenada por toda la eternidad debido a sus pecados. En realidad, poetas místicos cristianos como Juan de la Cruz o Teresa de Ávila, que dicen: "la amada en el amado transformada" son -teológicamente, insisto- herejes: para ellos hay éxtasis, fusión, unión sustancial con el otro.

3. ¿Qué autores o artistas de este país te parecen exponentes del erotismo místico?
Más que de artistas o de autores, sería mejor hablar de obras. En materia de literatura, sin duda José Juan Tablada, con su poema erótico "Misa negra", o Efrén Rebolledo, con poemas como "Ante el ara", "Santa Teresa" o "El beso de Safo". Posteriormente, en narrativa, tres de los autores que han vinculado con gran fortuna el erotismo y el misticismo son Juan García Ponce, Salvador Elizondo e Inés Arredondo. Los tres son, en buena medida (mucho más Elizondo) herederos de la concepción erótica de Georges Bataille, quien distinguía entre el erotismo de los cuerpos, el de los corazones (o sea, la pasión amorosa) y el sagrado.

4. ¿Cómo es el erotismo en los tiempos de Google? ¿Sigue siendo transgresor?
Cuando hablamos de transgresión necesitamos, sin duda, un referente. ¿Transgresión en relación con qué? ¿Transgresión de qué? El erotismo nunca fue transgresor en ciertos ámbitos de las llamadas religiones paganas ni en las orientales. Pensemos, por ejemplo, en el culto a Afrodita, aunque sí haya sido transgresor con respecto a la cotidianidad y al mundo del trabajo, que es eminentemente profano y no sagrado. En el judaísmo, el rabino Akiba sobreinterpretó el Cantar de los cantares como una alegoría y por ello este poema se mantiene como parte de la Biblia , libro esencialmente patriarcal, con un Dios masculino. Cuando hablamos de cristianismo ya cambia la cosa. Aunque haya cristianos progresistas e inteligentes en la actualidad, como la monja Ivone Gebara, esta religión en verdad desacralizó la sexualidad humana, restringiéndola a un mero fin reproductivo dentro del matrimonio; desacralizó a la naturaleza: dejó de haber árboles sagrados, piedras sagradas, etc. Y aunque haya cristianizado los elementos paganos que le convino, como el culto al Sol en el solsticio de invierno, que se transformó en la navidad, al desacralizar la sexualidad considerándola como impura, el cristianismo la condena cuando carece de un fin reproductivo. Lee La bruja de Jules Michelet; lee la Historia sexual del cristianismo, de Deschner o la Historia de la sexualidad, de Foucault. Los testimonios de anti-erotismo, misoginia, machismo exacerbado, pudor rídículo ante cuestiones sexuales, represión, odio al cuerpo (a tal grado de que en la Edad Media prácticamente nadie se bañaba) son tan numerosos, que podrían abarcar una enciclopedia entera. El erotismo es absolutamente transgresor desde un punto de vista judeo-cristiano, porque esta postura declara que el hombre es rey de la creación; que la mujer nació del varón (de una de sus costillas) y por lo tanto debe someterse a él; que el varón debe estar siempre sobre la mujer en la posición sexual; que la sexualidad humana sólo sirve para reproducirnos ("Creced y multiplicaos"... Incluso Jesucristo seca una higuera porque no daba frutos, aun cuando no era época de higos...). Esta concepción castrante del mundo ha llegado a lo más anti-erótico y grotesco: la sábana con el agujerito para que los cuerpos no puedan ni siquiera tocarse.

5. ¿Cuál es la diferencia entre una representación erótica y una pornográfica? ¿Cuál tiene mayor cabida en nuestra sociedad?
Yo no estoy de acuerdo con los autores que no distinguen entre pornografía y erotismo ni en los que dicen que la pornografía es el erotismo de los demás. Independientemente de su etimología y de la manera en que empleó la palabra "pornografía" Restif de la Bretonne (el que la inventó en el siglo XVIII), para mí las representaciones pornográficas carecen de un valor estético precisamente porque su único interés es mostrar la genitalidad, la unión sexual sin ningún otro fin. Más que representación, hay presentación, como ocurre en la exposición-reportaje de un crimen, sin ningún tipo de recreación. Tampoco estoy de acuerdo con quienes afirman que el fin de la pornografía es excitar. Esa es una apreciación totalmente subjetiva. En materia de literatura o de narración en general (incluidas las películas), la pornografía simplemente carece de personajes. Los personajes son falos y vulvas, senos y nalgas, piernas y muslos, semen y clítoris. No hay más personajes que ésos. Todo se centra en esa cuestión. En cambio, las representaciones eróticas -sean pictóricas, literarias, cinematográficas, etc.- tienen ingredientes formales, estructurales, estéticos, psicológicos, situacionales que hacen de dichas representaciones algo que va más allá de la genitalidad. No es lo mismo un coito anónimo que la escultura en un templo hindú de un coito. En el segundo caso hay arte y un fin eminentemente sagrado, pues el erotismo en la India nunca salió del ámbito sagrado. Nuevamente, no es lo mismo un vulgar coito anónimo, que una obra literaria con personajes que de repente practican un coito, aunque en ésta haya semen y todo lo que mencioné anteriormente. Hay un abismo entre erotismo y pornografía. Esta última es gratuita, repetitiva, monótona. Puede ser didáctica, pero no es erotismo. Para que se me entienda mejor: una cosa es la violencia y la sangre gratuitas (como en el cine gore o snuff ) y otra cosa es la violencia en un contexto determinado, que obedece a una trama, como la violencia física o psicológica que de repente aparece en el cine de un gran artista como Ingmar Bergman. La pornografía entonces es la sexualidad descontextualizada, anónima o carente de forma estética. Puedes argumentarme que la Maja desnuda es anónima y que está descontextualizada, al igual que los coitos esculpidos en Kahurajo. Yo te contestaría que la técnica, la huella del artista, las motivaciones estéticas, el fin estético o religioso hacen que estos fenómenos no sean simple pornografía, sino representaciones eróticas.

Este País, núm. 203, México, febrero, 2008

Precio: $400.00

Ensoñación cósmica

Fri, 21 Aug 2009 18:36:01 +0100

Betina Bahía Diwan de Masri (Sidón, Líbano), ensayista, crítica literaria, poliglota, licenciada en letras latinoamericanas por la Universidad Iberoamericana, ha publicado ensayos y cuentos en periódicos y revistas. Imparte clases de cuento.

Carlos López

Los ensayos que contiene este libro sobre El reposo del fuego, de José Emilio Pacheco, son de múltiples significados que no agotan la obra sino que la interpretan según el ojo avisado de la autora, de sus sensaciones, de lo que la poesía de uno de los mejores escritores en lengua española logra transmitir. La autora se aleja del canon del ensayo para navegar con toda libertad en las aguas profundas de los versos. Los momentos líricos que alcanza, que tienen su raíz en una sólida formación académica y literaria y en la tradición sagrada, la hacen escribir una obra metapoética.

Precio: $120.00

Ensayística de Octavio Paz

Fri, 21 Aug 2009 18:36:01 +0100

Precio: $120.00

El teatro de Alfonso Sastre

Fri, 21 Aug 2009 19:48:59 +0100

Elsa María Cano Bonilla (1947), maestra de literatura, ensayista, crítica, estudió la licenciatura y la maestría en la Facultad de Filosofía y Letras de la unam. Ha impartido la cátedra de literatura universal en la Escuela Nacional Preparatoria de la unam desde 1966. Obtuvo el premio Sor Juana Inés de la Cruz (2002). Ha publicado: Manual práctico de literatura universal (Editorial Porrúa), Manual práctico de literatura mexicana (Editorial Porrúa), Medio siglo de ficción. Narrativa hispanoamericana (Universidad Autónoma Metropolitana). Publicó, durante diez años (1989-1999), artículos de crítica literaria en el desaparecido suplemento cultural El Búho del periódico Excelsior.

Carlos López

El recorrido puntual que la autora de este ensayo hace del teatro del siglo xx tiene como eje de análisis los trabajos de Alfonso Sastre, hombre comprometido con su tiempo, y que que dejó en sus obras la marca de los seres visionarios y apasionados con su trabajo. La maestra Elsa Cano, de igual modo, nos acerca y aviva la actualidad del autor español, que nos deja como legado estas luminosas palabras: «Si la revolución es un hecho trágico, todo orden social injusto es una tragedia sorda e inaceptable». El grado de complejidad de las tragedias de Sastre, la poética vital de sus escritos —por los que sufrió persecución, cárcel, incomprensión, censura del fascismo español—, permean la propuesta estética del autor madrileño.
El rigor metodológico con que la ensayista aborda el teatro, desde sus orígenes hasta los dramaturgos más recientes, el nivel de abstracción de las piezas fundamentales del género y la capacidad de comparación entre obras y tendencias —verdaderos diálogos de la imaginación—, aclaran el contexto de esta investigación, que tiene entre sus virtudes la calidez y la vehemencia con que fue emprendida. La maestra Elsa Cano, además de los estudios literarios que sustenta, ha entregado su inteligencia al magisterio, por lo que conoce y ejerce la crítica con experiencia y amor por las letras. Este libro es el resultado de muchos años de búsqueda en el mundo de la creación, en los arcanos de la vida, en el misterio de la escritura.

Aunque la tragedia evoluciona, cambia, agrega o suprime elementos que la integran, en el fondo siempre permanece la esencia primigenia, es decir, el binomio lucha y frustración, la impotencia, la imposibilidad del individuo para enfrentar su destino. Si en la tragedia clásica éstos eran factores metafísicos, en la tragedia burguesa fueron elementos sociales y en la época contemporánea son factores económicos y humanos; de cualquier manera, el destino trágico está presente en el devenir existencial. Las venas trágicas se ofrecen en cualquier época y condición; Alfonso Sastre las revela para nosotros en algunas de sus obras dramáticas.

Precio: $200.00